Top 10 mest berømte og smukke stilleben i verden

Denne retning af kunst blev fremhævet i det XNUMX. århundrede i Holland. Selvfølgelig har kunstnere malet livløse genstande før, men normalt var de en del af kompositionen.

I Rusland blev stillebengenren anerkendt meget senere (i det XNUMX. århundrede). I lang tid blev det betragtet som ringere, opfattet som en træningsproduktion. Men selv nu er stilleben for de fleste mennesker en meningsløs kunstform, banal og uinteressant.

Kunstnere skildrer frugter, stearinlys, blomster, mad og andre genstande, men giver disse malerier ikke mening? Tværtimod er den skjult så dybt, at ikke enhver kunstkender vil kunne finde den. Når der skabes stilleben, bruges symboler og billeder, hver af dem identificeres med forskellige livssituationer og fænomener, følelser og følelser.

I løbet af fire århundreder er der blevet skabt et stort antal malerier af denne genre, men blandt dem kan de mest berømte stilleben skelnes.

10 "Lilac", Pyotr Konchalovsky

Billede "lilla" placeret i det lettiske kunstmuseum (Riga). Oprettet i 1951. Dette er ikke det eneste billede af buskens smukke blomster. Pyotr Konchalovsky var en fan af planten, blev han endda kaldt "lilla sanger". Gennem hele sit liv malede han mere end 40 smukke stilleben med et lignende tema.

I denne version er lilla grene i en almindelig krukke på et snavset og groft bord. Kontrast. Værket blev skabt i begyndelsen af ​​de stalinistiske undertrykkelser. Konchalovsky forstod, at uretfærdigheden herskede i landet. Men blomsterne er blomstret, og det ser ud til, at lærredet har sin egen duft – forår og håb på det bedste. Imod alle odds.

9. "Finsk buket", Boris Kustodiev

Blomsterstilleben fra 1917, opbevaret på statsmuseet i byen Arkhangelsk. Boris Kustodiev var en dygtig portrætmaler, og “Finsk buket” hører til Vyborg-tiden. På dette tidspunkt var kunstneren under rehabilitering efter operationen. Billedet er malet på et sanatorium. Det skildrer almindelige planter: kamille, tidsel, bregne. Tegningen er enkel og ukompliceret, den glæder øjet. Når du ser billedet, forstår du, at lykke er almindeligt. Skønhed er nær, og for ægte glæde har du brug for meget lidt.

8. Gardin, kande og frugtskål af Paul Cezanne

“Gardin, kande og frugtskål” – et af de mest berømte og smukkeste malerier i stillebengenren. Oprettet i slutningen af ​​90'erne af XIX århundrede. I 1999 blev den solgt på auktion for en rekordpris på 60 millioner dollars.

Faktisk kan du ikke bare gå forbi dette billede. Den tiltrækker visuelt med sine ubalancerede dele. Farverne står i kontrast: kandens kulde og frugtens varme. Takket være subtile farveovergange, Cézanne formået at gengive objekter tredimensionelt, tredimensionelt.

7. "Still Life", Kazimir Malevich

Billedet blev skabt i 1910. Placeret i Statens Russiske Museum. Malevich skrev det i perioden med kreative søgninger. Han følte sig som en reformator, kæmpede mod realismen og betragtede klassicismen som et fænomen, der var blevet forældet. mange af hans "Stilleben" virker usædvanligt: ​​som om dette er en uduelig tegning af et barn og ikke en erfaren kunstner.

I midten af ​​værket står en hvid vase med frugter, hvoraf nogle står på bordet. Billedet er heterogent. Dens dele tilhører forskellige stilarter. Med dette smukke værk ønskede Malevich at vise, at virkeligheden er sekundær (i forhold til billedformen). Selv her kan man bemærke et særpræg, der er iboende i mange værker af Kazimir Severinovich – brugen af ​​lyse farver, som er blevet et symbol på kunstnerens ukuelige energi.

6. "Stilleben med kranium og fjer" af Pieter Claesz

“Stilleben med kranium og fjer” kan ses på Metropolitan Museum of Art (New York). Den blev skabt i 1628. Tilhører vanitas-genren (stilleben dedikeret til døden).

Billedet er smukt, men skræmmende. Et kranium, et væltet glas, en uddød olielampe – alt dette er symboler på livets forgængelighed. En slående forskel mellem dette maleri og mange andre lavet i en lignende genre er den begrænsede palet. Claes bruger flere farver og deres nuancer, hvilket understreger kompositionens seriøsitet og dysterhed. Enhver betragter af billedet forstår, at livet ender en dag, viden og vin er magtesløse - intet vil hjælpe en person med at vinde evigheden ...

5. "Vase med blomster", Pierre-Auguste Renoir

Maleriet opbevares i det berømte Cambridge Museum of Art. Renoir specialiseret i portrætter og genrescener. Blomster var for ham underholdning, afslapning. Der er en version af, at kunstneren skabte sådanne malerier med det formål at tjene penge, da de solgte godt.

“Vase med blomster” skrevet i 1866. Den sædvanlige havebuket, som omfattede de mest almindelige planter. Farverne er lyse. Farvernes optøjer bliver en påmindelse om naturens skønhed og overflod. Kombinationen af ​​farver er klassisk, korrekt. Harmoni og fred er hovedbudskabet i dette billede.

4. "Æbler og blade", Ilya Repin

Lærred "Æbler og blade" placeret i det russiske museum (St. Petersborg). Ilya Efimovich skabte det i 1879. Ved første øjekast kan billedet virke for simpelt og ukompliceret: æbler på baggrund af blade. Det er bare kompositionen er lavet så mesterligt, at der er en følelse af realisme. Billedet er omfangsrigt og som fyldt med luft er de mindste detaljer omhyggeligt tegnet. Hun er lys og udtryksfuld.

Værket blev skabt repin på højden af ​​sin popularitet. På det tidspunkt i sit liv klarede han sig godt både i sin karriere og i sit personlige liv. Sådanne omstændigheder kunne ikke andet end at påvirke kunstnerens humør. Det er ikke overraskende, at når man betragter lærredet, opstår gunstige følelser og følelser.

3. Frugtkurv af Michelangelo Caravaggio

“Frugtkurv” Oprettet i 1596, opbevaret i Ambrosian Library (Milano). Nogle kunsthistorikere mener Michelangelo grundlæggeren af ​​stillebengenren.

Billedet er så naturalistisk som muligt: ​​kurven er på kanten af ​​bordet, den er fyldt med frugt. Frugterne er plukket sammen med bladene, og de første tegn på visnen er allerede synlige. Kompositionens livløshed understreger tonen - et minimum af detaljer.

Med dette billede ønskede Caravaggio at vise tidens gang. Frodig friskhed erstattes af forfald og død, uundgåelighed.

2. Fuglekirsebær i et glas, Kuzma Petrov-Vodkin

Et af de mest berømte malerier af den sovjetiske kunstner. Oprettet i 1932. “Fuglekirsebær i et glas” placeret i det russiske statsmuseum i St. Petersborg.

En fuglekirsebærgren er omgivet af tilfældigt spredte genstande. Tingene har ikke en synlig forbindelse med hinanden, men billedet ser harmonisk ud. Der er en version, som et uhøjtideligt sæt genstande personificerer sværhedsgraden af ​​den historiske periode, hvor billedet blev malet. Petrov-Vodkin.

1. Solsikker i en gul vase, Van Gogh

Van Gogh betragtes som en mester i stilleben. Kunstneren skabte en hel serie af malerier dedikeret til solsikker. Lærredet, der interesserer os, blev skabt i 1888. Placeret i London National Gallery.

I billedet “Solsikker i en gul vase” en ru rustik vase er afbildet. Den er lille i størrelsen, og der er ikke plads nok til solsikker, men ikke kun i en vase i rummet. Intet usædvanligt: ​​farvernes naturlige skønhed og farvernes lysstyrke. For Van Gogh var gul forbundet med håb og venskab, og solsikken var for ham et symbol på taknemmelighed.

Hvad handler dette billede om? Om et smukt og tragisk liv. Blomster, dyr, mennesker - alle levende ting ender en dag. Skal jeg være ked af det her? Hver person har sit eget svar på dette spørgsmål, men der er ingen grund til at bruge dyrebare minutter og timer på bekymringer. Ingen og intet kan stoppe tiden.